C’est de la bombe bébé !

Le street art est une forme d’art qui utilise les espaces publics, tels que les murs de bâtiments, les trottoirs et les ponts, comme toile pour s’exprimer. Contrairement aux formes d’art traditionnelles qui sont souvent créées pour être exposées dans des galeries ou des musées, le street art est destiné à être vu par tous, indépendamment de leur origine sociale, de leur culture ou de leur éducation.

L’art urbain peut prendre de nombreuses formes, telles que des graffitis, des pochoirs, des collages, des mosaïques ou des installations. Les artistes de rue utilisent souvent des techniques de peinture en aérosol pour créer des images vibrantes et colorées qui attirent l’attention du public. Ils peuvent également utiliser des messages politiques ou sociaux pour transmettre leur message et attirer l’attention sur des problèmes importants.

Le street art a souvent été associé à la culture du hip-hop et à la contestation politique, mais il est devenu un phénomène mondial et diversifié au fil du temps. De nombreuses villes du monde entier ont des quartiers entiers consacrés au street art, et certaines d’entre elles organisent même des festivals d’art urbain pour promouvoir cette forme d’expression. Malgré son statut souvent illégal, le street art continue d’inspirer et de stimuler l’imagination des artistes et du public.

Voila à travers ce dessin, j’ai voulu exprimer l’antagonisme des politiques urbaines qui considérent le street artiste comme un déliquant mais savent utiliser son travail quand le besoin s’en fait sentir.

gorillaz : « désolé »

Gorillaz est un groupe virtuel britannique créé en 1998 par le musicien Damon Albarn et l’artiste Jamie Hewlett. Ce groupe se distingue non seulement par son approche révolutionnaire de la musique, mais aussi par son utilisation innovante de l’animation et des médias pour créer un monde narratif riche et immersif. Gorillaz mélange divers genres musicaux, notamment le rock alternatif, le hip-hop, l’électronique et la musique du monde, créant un son qui défie les catégories traditionnelles. Leur concept unique et leur musique éclectique les ont établis comme l’un des groupes les plus influents et innovants du XXIe siècle.

Le groupe virtuel se compose de quatre personnages animés : 2-D (chant, claviers), Murdoc Niccals (basse), Noodle (guitare, claviers) et Russel Hobbs (batterie). Ces personnages ne sont pas de simples avatars, mais ont leurs propres histoires et personnalités détaillées, vivifiées à travers des clips musicaux, des interviews et d’autres médias. Cette fusion de la musique et de la narration a permis à Gorillaz de transcender les frontières traditionnelles d’un groupe, les transformant en un phénomène multimédia.

Gorillaz a sorti son premier album éponyme en 2001, qui a rapidement reçu un accueil international. L’album présente un mélange de morceaux sombres et mélancoliques ainsi que de singles accrocheurs comme « Clint Eastwood » et « 19-2000 », mettant en avant le son éclectique du groupe. Le succès de Gorillaz a été amplifié par les clips musicaux innovants qui accompagnaient les singles, largement diffusés sur les chaînes musicales du monde entier. Le succès de l’album a établi Gorillaz comme une force pionnière tant dans la musique que dans l’art numérique.

Leur album suivant, Demon Days (2005), a consolidé le statut de Gorillaz en tant que superstars mondiales. Les thèmes plus sombres et politiquement chargés de l’album reflétaient les anxiétés du début du XXIe siècle. Des hits comme « Feel Good Inc. », « DARE » et « Dirty Harry » sont devenus des hymnes de l’époque, avec « Feel Good Inc. » offrant au groupe un Grammy Award. Demon Days a non seulement présenté l’évolution du son du groupe, mais a également mis en lumière la capacité d’Albarn à collaborer avec une large gamme d’artistes, de De La Soul à Ike Turner, diversifiant encore le son de Gorillaz.

Suite au succès de Demon Days, Gorillaz a continué à explorer de nouveaux paysages musicaux avec des albums comme Plastic Beach (2010) et The Fall (2011). Plastic Beach est particulièrement notable pour ses thèmes environnementaux et sa liste expansive de collaborateurs, dont Snoop Dogg, Lou Reed et Bobby Womack. Le concept de l’album, centré sur une île flottante faite de débris, est un commentaire sur le consumérisme et la dégradation environnementale, enveloppé dans une combinaison sonore mélangeant pop, orchestral et musique électronique.

Après une brève pause, Gorillaz est revenu en 2017 avec Humanz, un album perçu comme une réaction au climat politique tumultueux de l’époque. L’album a présenté une variété d’artistes invités, dont Vince Staples, Pusha T et Grace Jones, et a continué à repousser les limites de ce que pouvait être un album de Gorillaz. The Now Now (2018) a suivi, offrant un son plus introspectif et épuré par rapport à son prédécesseur.

En 2020, Gorillaz a lancé le projet Song Machine, une série de singles et de clips musicaux publiés de manière épisodique tout au long de l’année, culminant avec l’album Song Machine, Season One: Strange Timez. Ce projet a de nouveau démontré la capacité du groupe à s’adapter et à innover, en embrassant le format épisodique de l’ère numérique tout en collaborant avec des artistes comme Robert Smith, St. Vincent et Elton John.

L’impact de Gorillaz sur la musique et la culture pop est profond. Ils ont réussi à brouiller les frontières entre le virtuel et le réel, créant un groupe qui existe à la fois comme une entité musicale et comme un véhicule de narration. Leur volonté d’expérimenter différents genres et de collaborer avec une large gamme d’artistes a maintenu leur son frais et pertinent pendant plus de deux décennies. Gorillaz n’est pas simplement un groupe ; c’est un projet artistique multimédia qui continue d’évoluer, défiant les normes de ce que peut être un groupe musical.

borderlast graffer tue !